北京/上海12月展讯分享
展讯分享
2019年12月北京上海展讯分享
（一大批艺术细菌即将来袭）
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莎拉·卢卡斯中国首展
时间: 2019年11月2日至2020年2月16日
地点: 北京红砖美术馆
作为英国当代艺术界中最富盛名的女性艺术家之一，莎拉·卢卡斯（Sarah Lucas）在北京红砖美术馆迎来了自己在中国最大规模的个展。本次展览涵盖了百余件重要作品，筹备时间长达两年，艺术家也专门为展览前来红砖美术馆驻地多日。
因此，这次展览虽有一定的回顾性质，但并非以静止的眼光对卢卡斯过去的创作进行梳理，十余件在红砖美术馆完成的新作品将展览的时间外延拓展到了当下，甚至未来。
“莎拉·卢卡斯”展览现场，图片由红砖美术馆提供
在莎拉·卢卡斯的创作中，性别讨论一直是重要的议题。这与艺术家本人的经历分不开：“我成长于工人家庭，可能就是一个tomboy，想要去与身边的男孩子竞争。大学毕业之后，有些画廊选择与男性艺术家合作，我不明白为何如此，也由此慢慢开始认真思考我作为女性会有什么不同。”
“莎拉·卢卡斯”展览现场，图片由红砖美术馆提供
在红砖美术馆驻地期间，她制作了一件名为《北京钻石》（Beijing Diamonds）的作品，将一辆收购自中国的老旧沃尔沃汽车在开展前举槌砸毁，这样的砸车行为正是她在英国街头经常看到的景象。
莎拉·卢卡斯，《废话墓志铭》，2018，汽车，香烟，©莎拉·卢卡斯，由纽约、墨西哥库里曼兹托画廊及伦敦赛迪 HQ 画廊提供，图片由红砖美术馆提供
《北京钻石》不远处一辆变形更严重的汽车是《废话墓志铭》（Epitaph BLAH BLAH），莎拉·卢卡斯将传统认知中男性的代表元素之一——香烟贴满车身，因暴力挤压而变形的汽车已经失去了原有的工业美感，而香烟却又以整齐的姿态附于其表面，一种荒诞的秩序感从中产生。
莎拉·卢卡斯，《老天你知道这多不容易》，2003，玻璃纤维、香烟，195.6x 182.9 x 40.6 cm，© 莎拉·卢卡斯，由艺术家提供，图片由红砖美术馆提供
在作品中，卢卡斯一直以直白赤裸的方式表达对性别的认知，但这并不意味着她的态度是决然的对抗，“我无法改变自己的性别，但可以积极去运用它。”
莎拉·卢卡斯，《她她她她》，2019，紧身裤袜、金属丝、蓝绿色的鞋、粉色丙烯颜料、木头椅子，95x 60 x 64 cm，© 莎拉·卢卡斯，由伦敦赛迪 HQ 画廊提供，图片由红砖美术馆提供
莎拉·卢卡斯，《纯赤》，1994，床垫、甜瓜、橘子、黄瓜、水桶，84 x 167.8 x 144.8 cm，
© 莎拉·卢卡斯，由伦敦谋杀我收藏提供，图片由红砖美术馆提供
莎拉·卢卡斯，《路人朵丽丝》，2018，混凝土浇筑、钢铁，359 x 250 x 250 cm，© 莎拉·卢卡斯，由伦敦赛迪 HQ 画廊提供，图片由红砖美术馆提供
进入红砖美术馆正门，第一件迎接观众的作品便是大型混凝土雕塑《路人朵丽丝》（VOX POP DORIS），这双表面留有粗粝制作痕迹的高筒靴以女性主义纪念碑的姿态安放在美术馆的圆形下沉大厅中，像是整个展览无声的开篇宣言。
《致女人的一千个鸡蛋》，©莎拉·卢卡斯，红砖美术馆“莎拉·卢卡斯”开幕现场，图片由红砖美术馆提供
开幕当天，卢卡斯为到场观众准备了一场互动式行为表演，1000枚“致女人的鸡蛋”等待观众将其扔出。活动前，美术馆方面曾发出声明，“本次活动仅限女性，或身着女装的男性参与”——此处成为了一个迷你的女权社会。Egg一词在英文语境中除鸡蛋外，也指代女性卵子。
莎拉·卢卡斯认为，男性可以将精子射出，但女性却缺乏类似的宣泄途径，“所以我为女性安排了这样一个解放性的活动”。活动现场，鸡蛋一时间陆续飞向对面雪白的挡板，金黄的蛋液留下斑驳印记，卢卡斯在此与中国的观众完成了一场语言交流外的对话。
时间: 2019.10.31-2020.2.23
地点: 木木美术馆
木木美术馆798馆正在展出极其瞩目的青年艺术家陈天灼个展“入迷”，在这个氛围里，你无需被思维层面的复杂所惑，也不用为俗世价值所捆绑，无论是宗教寓意般的神启，还是随处可见的流行文化与舞蹈的混搭，来到这里，你将卸下面具，自然而然达到感官层面的会意。
这也是艺术家所期望的状态。当很多人还放不下自身枷锁时，他已经将年轻人内心中关于自由的理解发挥到了极致。
陈天灼“入迷”展览现场，木木美术馆，2019
此次展览是陈天灼近年来于国内举办的最大规模个展，以一场超长时间同名表演项目及其衍生作品为核心，展览全面呈现了陈天灼自2014年以来创作的最具代表性的几十件不同媒介的作品以及他在艺术家身份之外的诸多实践。
陈天灼“入迷”展览现场，木木美术馆，2019
当文化背景和身份认同不再是亟待阐明的孤立议题，创作也在更宽广的语境下发展出更为多样的面貌。作为这代艺术家中最鲜明的人物之一，陈天灼不拘一格的创作巧妙地游走于表演、装置、录像、摄影和绘画等领域，创造了一个个以“事件”为表现形式的作品。
陈天灼“入迷”展览现场，木木美术馆，2019
从源流相近或迥异的宗教、电子乐、俱乐部文化到流行歌曲、时尚卡通和日本舞踏，大量原本并无关联的文化符号和信息片段被陈天灼以看似信手拈来的方式糅合，并产生难以预料的化学反应。这一过程犹如以搜索引擎为向导的互联网体验：万物以均等的机会，在瞬间扑面而来，为你所用。
作为其风格和精神内涵的集中体现，全新表演作品《入迷》在展览开幕前三日进行了每天一场、每场持续12小时的演出。这场“马拉松式”的表演项目是艺术家筹备多年的首次尝试，以不受传统戏剧、舞剧或音乐剧束缚的形式，呈现了6个与幻觉体验相关的故事。
在此，整个美术馆成为没有明确边界的舞台，身处这场在空间和时间意义上皆去中心化的演出中，观者如置身漫无目的的河流，在越过某个不再由意识全然掌控的临界点后，我们在感官的驱动下进入艺术家本人所期望的“入迷”状态。在为期3⃣️天的演出结束后，一部由演出录像剪辑而成的同名影像作品将在作为主舞台的大展厅中展出。
陈若冰 “蓝调”
时间: 2019年10月26日-12月7日
地点: 北京市朝阳区酒仙桥路4号院 798艺术区 今格空间
本次个展“蓝调”是由陈若冰近几年创作的十多件中小幅绘画和一组装置作品构成。展览将展出艺术家在光、色、形这系列问题上的持续性思考与实践，除了在有限的平面尺度中引导观者在材料、体验、感知等因素中探索多维度的二元关系，也进一步将其置入空间中寻找更多的可能性。
今格空间 “陈若冰：蓝调”个展 现场
这一系列新作展现了形和形、光与光、光与形的多重关系，尤其是冷与暧两种色调呼应在作品中发挥的更加微妙。此外与丙烯作品相呼应的一组由荧光布纹胶带制作的装置，看似略带随机性的包裹，让作品色彩微微颤动，却又安然自处。
1811 ，画布、丙烯 ，40 x 40cm ，2019年
1903 ，画布、丙烯 ，40 x 40cm ，2019年
0868 ，布面、丙烯 ，30 x 30cm ，2008年
1908 ，布面、丙烯 ，35.2 x 35.2cm ，2019年
布纹胶带随机性缠绕呼应了平面绘画中笔触的空间感，这件装置作品是艺术家继“River of Light”个展后，将其创作实践在空间中更为深入的探讨。球体装置看上去像是气韵的涌动，作品脱离了自身的物质属性，产生了某种灵性的光辉。
陈若冰《光之二》不锈钢，布面胶，丙烯 直径30厘米 2019年
托比亚斯·卡斯帕个展“丰饶角”
时间: 2019.11.2 – 2020.1.5
地点: 麦勒画廊798
托比亚斯·卡斯帕（生于1984年，生活和工作在拉脱维亚里加以及瑞士苏黎世）在中国的首个展览《丰饶角》。“Horn of Plenty”，中文名为“丰饶角”，源于希腊及罗马神话，为丰收的象征。在时至今日的感恩节中，它常以装满果实和鲜花的形象在大众媒体中出现。
同时，“Horn of Plenty”亦是2009年时装设计师亚历山大·麦克奎恩生前发布的最后一次秋冬时装系列名。这一里程碑式的时装发布会中，设计师以批判的角度审视过度奢侈的时尚行业，借“创造”的名义维持生产和消费的循环，“创造”的主体性因而从具体的创造者让渡到宏观的资本主义产销过程——一架由人类欲望驱动的永动机。
托比亚斯·卡斯帕，《YSL Mondrian》，2019，1/2，艺术微喷，装裱在亚克力板上，白色木框，200 x 160 cm (照片尺寸)；205 x 165 x 5 cm （外框尺寸），2 版 + 1 AP
时隔这场时装发布会十年，艺术家托比亚斯·卡斯帕在麦勒画廊举行的个展《丰饶角》中，将对时尚行业的批判目光推及到一些即将被人遗忘的角落，并延伸至艺术领域。自从2015年，托比亚斯开始和他寻找到的一家以向高级时装品牌提供面料而驰名的瑞士纺织品公司进行合作并进行艺术创作。
这家公司在1960-1990年代向亚洲市场特别定制并出口了不同纹样的高级面料，艺术家将他们生产的、曾经受人青睐的布料拍摄成照片。在北京的展览中，观众可以看到一系列摄影作品：照片中，身着芭蕾服或著名品牌YSL蒙德里安格子裙的女性，伦敦或巴黎的街景，以及英伦马球赛等纹样输出着彼时令亚洲消费者向往的西方生活方式。
托比亚斯·卡斯帕，Jockey (grey, pink), 2019，1/2，艺术微喷，装裱在亚克力板上，白色木框，200 x 160 cm (照片尺寸); 207 x 163.5 x 5 cm (外框尺寸)，2 版 + 1 AP
展览的另外一个部分与今年春季艺术家在麦勒画廊的驻留经历相关。艺术家收集来鸟笼——这类清代贵族常用于圈养观赏鸟的笼子，在2019年北京老人的生活中依旧可见，却再也激发不起青年一代的兴趣——并为它们披上时尚、优雅的“新衣”——艺术家在鸟笼罩子上基于中国版最具影响力的一本时尚杂志9月刊中的内容用丙烯和墨进行绘画创作。在作品《Delivery》中，快递运输车这一商品流通过程中必不可少却不凸显的环节象征物被罩上棉布。
托比亚斯·卡斯帕，Soymilk，2019，5箱哇米诺豆奶，青铜，油画颜料，150 x 30 x 30 cm (纸箱尺寸)；5.5 x 19 cm (瓶子尺寸)
行望山河——张克纯作品展
时间: 2019年10月25日 – 2020年2月23日
地点: 北京市朝阳区草场地155A三影堂摄影艺术中心
《溪山行旅》是世所公认的范宽真迹。在这幅北宋山水巨制里，大山堂堂，赫然当阳，一派宋代山水的寒气、仙气与浩然之气。画中一纵行旅从山下树丛穿过，其人物与山川的比例关系，曾深刻地影响了张克纯的摄影画面。但这，只是他摄影创作的一个表象。
《溪山行旅图》范宽 北宋（局部）
最近十年，中国当代摄影领域有两个突出现象：一是“景观摄影”广泛出现，二是摄影“川军”雄起。而张克纯正处在这两个坐标系的交叉点上。
张克纯《煤厂里的佛像》 Zhang Kechun, A Buddha Head In a Coalfield, 2011
作为一名“川军”骁将，张克纯的摄影早已蜚声国际。其照片里那些沉浸在迷雾中的人工景观，不仅呈现出一种空间上的平面感和画面的整体感，而且一如它曾经在印象派中广泛出现过的那样，浮现着一种雅致的色彩。
张克纯《在游泳池边集合的士兵》Zhang Kechun, Soldiers gathered by the pool, 2014
他观察的那些以点景式出场的人物（有很多时候出现张克纯本人），他们或是在工作、在观光游览、在无聊中发呆，或是沉浸在某种“自我”的状态里；这种观看的套层结构，或许正如王国维所言：“有我之境，以我观物，故物皆著我之色彩”。
张克纯《向沙漠抽水的人》Zhang Kechun, Man Pumping in the Desert, 2011
张克纯《河边捕鱼的人》Zhang Kechun, People Fishing by the River, Shanxi
《幹涸的湖中的假山,山東》A Rockery In The Middle Of a Dry Lake, Shandong, 2011
时间的形态——蓬皮杜中心典藏展（一）
时间: 2019年11月8日– 2021年5月9日
地点: 上海西岸美术馆展厅2&3
蓬皮杜中心国立现代美术馆共计保存了自1905年至今的十万余件藏品。在未来五年中，三种不同思路的重要作品展将于上海西岸美术馆呈现，“时间的形态”便是此次三场系列展览的开端。
乔治·库布勒在《时间的形态：造物史研究简论》一书中写道：“不论历史学家的学识专长是什么，他们的目的都是描绘时间。”不过，再现时间的方式并非只有一种，而是多种。时间的形状是一个文化概念，在不同时刻及不同环境下的人们对时间的认知各不相同。
19世纪末，西方兴起了现代性这一概念。“现代性”源于拉丁文“方式”一词，就夏尔·波德莱尔而言，其意指“短暂、瞬时、偶然，它是艺术的一半，而艺术的另一半是永恒和持久”。
此次展览的第一部分汇集了国立现代美术馆自1930年代建馆后，在第一个十年中根据现代性概念所建立起的核心馆藏。它主要关注法国艺术舞台——20世纪上半叶以来大流散的交汇路口。
雷蒙·杜尚–维永《巨马》1914—1976
赫苏斯·拉斐尔·索托《可穿透的立方体》1996
彼埃·蒙德里安 《红蓝白的构图II》1937
丁乙《十示94-11》1994
制作中：艺术与电影的工作场
时间: 2019年11月7日 - 2020年3月1日
地点: 上海市徐汇区丰谷路35号余德耀美术馆
余德耀美术馆新展览《制作中：艺术与电影的工作场》中，陈列了卡耶塔诺·费勒的装置作品，艺术家利用废弃合成物、泡沫塑料、树脂和镜子等材料创作了一个沉浸式炫彩致幻空间，一派霓虹巴洛克风格。
《无尽之柱》，卡耶塔诺·费勒
灯光、路牌、镜子、玻璃，这些街头常见的元素，仔细审视也会有种超现实之感，将每日可见的街区点亮、映照、对称和平移，由此是否可以设想到生活在建筑空间中的我们，是否其实也是生活在不断变化的，多维度视觉面中呢？
蒙太奇在法语是“剪接”的意思，也就是镜头与镜头间的衔接，由普多夫金根据美国电影之父格里菲斯的剪辑手法延伸出来。片段之间的筛选、先后顺序以及时间的长短，都会带来不同的观影效果。在艺术家詹妮弗·韦斯特的作品《胶片已死……》中，则完全舍弃了影片的叙事逻辑。
《胶片已死……》，詹妮弗·韦斯特
詹妮弗先收集了大量的赛璐珞胶片，然后用从食品到药物，包括泡菜汁、防晒油、口红和猫砂，以绘画、素描和腐蚀等技术处理胶片。此外，还直接采用捶打、打孔和舔舐等物理手段处理。创作过程是具有表演性的，而得到的作品却是一段段抽象感的影像图形，它们可能是变了形的色块和扭捏难认的文字。
《指挥家》，尼科尔·米勒
尼科尔·米勒的《指挥家》是一部彩色无声影像作品，在着色的平面内继续探索了无声的画面语言。录像中演员埃里克·鲁夫用哑剧动作表现并模仿指挥家的姿势、表情和示意动作时，他的面部表情和身体痉挛成为一种由他想象中的管弦音乐所诠释并最终由观众解读的符号语言。
《花样年华》，王家卫
《游戏室》，保罗·法伊弗
保罗·法伊弗的装置作品《游戏室》采用了钢、单面镜、木头、衬垫和灯等材料。艺术家展现了篮球明星维尔特·张伯伦的“游戏室”的缩小版复制品，这是一个广为人知的知洞游戏室，在他洛杉矶的豪宅中建造。
野生大都会 2019当代艺术展
时间: 2019.11.2-2020.2.2
地点: 上海市闵行区漕宝路3055号宝龙美术馆6号厅
11月1日，由当代艺术家徐震策展、同济大学哲学教授陆兴华担任学术顾问的大型群展“野生大都会”在宝龙美术馆开幕。当代艺术、实验音乐、时尚潮流、虚拟数字互相混合碰撞，呈现一个年轻、无畏、自由的新生态艺术现场。
在一个艺术展中，不仅容纳各类行业人士的跨界，也呈现出他们对不同艺术类型和媒介材料的互相渗透与嫁接，艺术家陆平原用“故事”这一独特的媒介来进行艺术创作。
Jacolby Satterwhite将行为表演、动画和个人生活的日常瞬间编织串联在一起，Anna Uddenberg的装置甚至使用了登山包、指甲胶、地毯、鳄鱼鞋等物品，Juan Sebastián Peláez的人物仿佛从怪异童话中走来，陈冠希创作了一件在北极探险时拍摄的录像作品，尉洪磊犹如意识流般的雕塑带来更多解读的想象。
即使是传统的绘画形式，艺术家也进行了全新的实验，丁力通过对油画颜料、喷漆、画笔与画框的重构表现出全新的视觉语言，Austin Lee在画面上营造出童稚而又奇幻的视觉效果……野蛮生长的创作状态不断拓宽艺术的边界，也打破了观念与行业固有的壁垒。
博伊斯说“人人都是艺术家”。在社交媒体加速发展、跨领域探索趋向主流的今天，这已然成为现实。面对变化着的真实世界，艺术自然也要作出回应，在裂变中寻求新的表达方式。
“野生大都会”将瞬息万变的现实挪移到展厅，讨论虚拟数字世界与城市文化发展交错的多元现状，为大众展示一个纯野生状态的当代文化想象。
展览不但邀请了潮流前沿的国际当代艺术家，也将音乐人，时装设计师等各类跨界艺术家纳入艺术展。所邀请的国际当代艺术家将展出装置艺术、行为艺术、影像艺术、媒体艺术和数字艺术作品，超越传统，以奇观的方式呈现出群体的年轻化表达。
在特定时间段中，展览现场设计成随时在当代艺术展厅和实验音乐现场间切换，给观者带来全新观感。势必引发观者对大众文化消费产品如何产生、如何成为社会文明的一员、如何影响其他文化发展等问题的思考。
以上，是12月北京、上海的8个精选展览，希望大家喜欢！
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End.
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